Il manifesto dell'Arteconomy

Anche se non è un Manifesto (ma è la diretta conseguenza dell'adesione al manifesto del futurismo), come si può dimenticare il distacco "violento" dall'arte figurativa che nel 1913 espresse Giacomo Balla?

"Balla è morto. Qui si vendono le opere del fu Balla".

GIACOMO BALLA

Affascinantissimo. Pensare che ... poi Balla ci ripensò :)

Complimenti, cara Isola!
Mi hai regalato una chicca davvero stupenda, da leggere in un fiato:clap::clap:
 
... un'altra chiccona da leggere in un fiato :D:D:D

The Gutai Manifesto

With our present awareness, the arts we have known up to now appear to us in general to be fakes fitted out with a tremendous affectation. Let us take leave of these piles of counterfeit objects on the altars, in the palaces, in the salons and the antique shops.
These objects are in disguise and their materials such as paint, pieces of cloth, metals, clay or marble are loaded with false significance by human hand and by way of fraud, so that, instead of just presenting their own material, they take on the appearance of something else. Under the cloak of an intellectual aim, the materials have been completely murdered and can no longer speak to us.

Lock these corpses into their tombs. Gutai art does not change the material but brings it to life. Gutai art does not falsify the material. In Gutai art the human spirit and the the material reach out their hands to each other, even though they are otherwise opposed to each other. The material is not absorbed by the spirit. The spirit does not force the material into submission. If one leaves the material as it is, presenting it just as material, then it starts to tell us something and speaks with a mighty voice. Keeping the life of the material alive also means bringing the spirit alive, and lifting up the spirit means leading the material up to the height of the spirit.

Art is the home of the creative spirit, but never until now has the spirit created the material. The spirit has only ever created the spiritual. Certainly the spirit has always filled art with life, but this life will finally die as the times change. For all the magnificent life which existed in the art of the Renaissance, little more than its archaeological existence can be seen today.

What still keeps that vitality, even if passive, may be primitive art or the art created after Impressionism. These are things in which either, due to skillful application of the paint, the deception of the material had not quite succeeded, or else, like Pointillist or Fauvist, those pictures in which the materials, although used to reproduce nature, could not be murdered after all. Today, however, they are no longer able to call up deep emotion in us. They already belong to a world of the past.

Yet what is interesting in this respect is the novel beauty to be found in works of art and architecture of the past which have changed their appearance due to the damage of time or destruction by disasters in the course of the centuries. This is described as the beauty of decay, but is it not perhaps that beauty which material assumes when it is freed from artificial make-up and reveals its original characteristics? The fact that the ruins receive us warmly and kindly after all, and that they attract us with their cracks and flaking surfaces, could this not really be a sign of the material taking revenge, having recaptured its original life? In this sense I pay respect to Pollock’s and Mathieu’s works in contemporary art. These works emit the loud outcry of the material, of the very oil or enamel paints themselves. These two artists grapple with the material in a way which is completely appropriate to it and which they have discovered due to their talent. This even gives the impression that they serve the material. Differentiation and integration create mysterious effects.
Recently, Tominaga Soichi and Domoto Hisao presented the activities of Mathieu and Tapi? in Informel art, which I found most interesting. I do not know all the details, but in the content presented, there were many points I could agree with. To my surprise, I also discovered that they demanded the immediate revelation of anything arising spontaneously and that they are not bound by the previously predominant forms. Despite the differences in expression compared to our own, we still find a peculiar agreement with our claim to produce something living. I am not sure, though, about the relationship between the conceptually defined pictorial elements like colours, lines, shapes, in abstract art and the true properties of the material in Informel art. As far as the denial of abstraction is concerned, the essence of their declaration was not clear to me. In any case, it is obvious to us that purely formalistic abstract art has lost its charm, so that the Gutai Art Society founded three years ago was accompanied by the slogan that they would go beyond the borders of abstract art and that the name Gutaiism (concretism) was chosen. Above all, we had to search for a centrifugal approach, instead of the centripetal one seen in abstract art.

In those days we thought, and indeed still do think today, that the most important merits of abstract art lie in the fact that it has opened up the possibility to create a new, subjective shape of space, one which really deserves the name creation.
We have decided to pursue the possibilities of pure and creative activity with great energy. We tried to combine human creative ability with the characteristics of the material in order to concretize the abstract space.

When the abilities of the individual were united with the chosen material in the melting-pot of psychic automatism, we were overwhelmed by the shape of space still unknown to us, never before seen or experienced. Automatism naturally made the image which did not occur to us. Instead of relying on our own image, we have struggled to find an original method of creating that space.

The works of our members will serve as examples. Toshiko Kinoshita is actually a teacher of chemistry at a girls’ school. She created a peculiar space by allowing chemicals to react on filter paper. Although it is possible to imagine the results beforehand to a certain extent, the final results of handling the chemicals can not be established until the following day. The particular results and the shape of the material are in any case her own work. After Pollock many Pollock-imitators appeared, but Pollock’s splendour will never be extinguished. The talent of invention deserves respect.
Kazuo Shiraga placed a lump of paint on a huge piece of paper, and started to spread it around violently with his feet. For about the last two years art journalists have called this unprecedented method "the Art of committing the whole self with the body." Kazuo Shiraga had no intention at all of making this strange method known to the public. He had merely found the method which enabled him to confront and unite the material he had chosen with his own spiritual dynamics. In doing so he achieved an extremely convincing result.

In contrast to Shiraga, who works with an organic method, Shozo Shimamoto has been working with mechanical manipulations for the past few years. The spray pictures created by smashing a bottle full of paint, or the large surface made in a single moment by firing a small, hand-made cannon filled with paint by means of an acetylene gas explosion, etc., display a breathtaking freshness.

Other works which deserve mention are those of Yasuo Sumi produced with a vibrator or Toshio Yoshida, who uses only one single lump of paint. All their actions are full of a new intellectual energy which demands our respect and recognition.

The search for an original, undiscovered world also resulted in numerous works in the so-called object form. In my opinion, conditions at the annual open-air exhibitions in the city of Ashiya have contributed to this. That these works, created by artists who are confronted with many different materials, differ from the objects of Surrealism can be seen simply from the fact that the artists tend not to give them titles or to provide interpretations. The objects in Gutai art were, for example, a painted, bent iron plate (Atsuko Tanaka) or a work in hard red vinyl in the form of a mosquito net (Tsuruko Yamazaki), etc. With their characteristics, colours and forms, they were constant messages about the materials.

Our group does not impose restrictions on the art of its members, letting them make full use of their creativity. For instance, many different experiments were carried out with extraordinary activity such as art felt with the entire body, art which could only be touched, Gutai music (in which Shozo Shimamoto has been doing interesting experiments for several years) and so on. Another work by Shozo Shimamoto is like a bridge which shakes everytime you walk over it. Then a work by Saburo Murakami which is like a telescope you can enter to look up at the heavens, and an installation made of plastic bags with organic elasticity, etc. Atsuko Tanaka started with a work of flashing light bulbs which she called "Clothing." Sadamasa Motonaga worked with water, smoke, etc. Gutai art put the greatest importance on all daring steps which lead to an undiscovered world. Sometimes, at first glance, we are compared with and mistaken for Dadaism, and we ourselves fully recognize the achievements of Dadaism. But we think differently, in contrast to Dadaism, our work is the result of investigating the possibilities of calling the material to life.

We shall hope that there is always a fresh spirit in our Gutai exhibitions and that the discovery of new life will call forth a tremendous scream in the material itself.

(Proclaimed in October 1956, published in December 1956 in the art journal "Geijutsu Shincho")

Jiro YOSHIHARA


... dedicato a 非常に抽象的 ... ;)
 
Un'altra pittrice che utilizza da tempo vecchi registri contabili come supporto per le sue opere è Lucia Pescador (una delle pochissime non astratte non storicizzate che ho in collezione). Potreste provare a contattarla per l'arteconomy...
 
Un'altra pittrice che utilizza da tempo vecchi registri contabili come supporto per le sue opere è Lucia Pescador (una delle pochissime non astratte non storicizzate che ho in collezione). Potreste provare a contattarla per l'arteconomy...

Interessante ... leggo dalla sua biografia:
" disegni di immagini della cultura del nostro secolo fatti su carte già usate per fare sentire la stratificazione della vita. Nel novembre 1996 inizia i Crucivia: aggregazioni di disegni ed oggetti dove le voci dell'Inventario formano delle composizioni corali. Ne scaturisce un nuovo rapporto, quello di relazione e di insieme."

Giorgio, essendo l'artista, provvederà a contattarla.
Grazie
 
Quale utile spunto riflessivo, considerando che nel nostro Manifesto si fanno riferimenti ad una sorta di "mercificazione dell'arte", riporto uno stralcio dai canoni del dadaismo:

1) L'importanza data al gioco, alla combinazione casuale, di parole e oggetti, al non senso (pare che il nome dada fu scelto per caso infilando un taglia carta in un dizionario tedesco-francese e prendendo la prima parola della pagina "dada", il quale significa un balbettio infantile senza senso che serve ad indicare qualsiasi oggetto). La conseguenza è una svalutazione dell'attività artistica.

2) I dadaisti cercano di portare alla luce la contraddizione dell'arte all'interno della società capitalistica (il processo di mercificazione cui l'arte è sottoposta). Gli atti provocatori di Duchamp che presenta la merce come un opera d'arte (esempi sono il "Portabottiglie" del 1915 o "La Ruota di bicicletta" esposta in una mostra d'arte nel 1913) o presenta il gratuito e il non senso come attività artistica (Duchamp dipinge dei baffi sulla Gioconda e firma il quadro come opera sua e Picabia tenta di legare una scimmia viva dentro una cornice vuota e poi esporla in una mostra collettiva), sono un esempio lampante della poetica dadaista.


Fonte : M. De Micheli, Le avanguardie artistiche del Novecento, Feltrinelli, Milano 1971.
 
Trovo comunque interessante anche la riflessione di Francesco Poli su “Il sistema dell’arte contemporanea” - Edizioni Laterza, Bari (2004)

A partire dagli anni Venti nuovi correnti e movimenti artistici si scaglieranno contro il mercato e contro la mercificazione dell’arte (i dadaisti e i surrealisti in testa).

Superata la crisi degli anni Trenta (conseguenza della Grande Depressione) il mercato dell’arte contemporanea conosce la sua consacrazione nel secondo dopoguerra, soprattutto nella nuova capitale dell’arte: New York.
Nel giro di pochi anni la città americana diventa non solo il punto di convogliamento per molti artisti fuggiti dalla Germania nazista e poi dall’Europa infiammata dalla guerra, ma anche la sede di importantissimi musei e il centro del mercato dell’arte.

Le gallerie private si moltiplicano, soprattutto nei quartieri di Soho e Chelsea. Negli anni Ottanta si assiste ad un nuovo clamoroso boom economico dell’arte contemporanea ma la successiva crisi nell’ultimo decennio del secolo ha evidenziato la contraddizioni e i malesseri di questo mercato.

La tendenza dominante infatti è quella della rapida ascesa di nomi nuovi e artisti giovani che in pochissimi anni riescono a sfondare raggiungendo quotazioni altissime e le sale dei maggiori musei.

Questo fenomeno è la testimonianza secondo Poli di un sistema drogato, dove l’euforia speculativa, sollecitata da una moda culturale gonfiata dai media, è arrivata a determinare la storicizzazione istantanea delle nuove star. Il risultato è che le dinamiche economiche non sono più il riflesso di tendenze culturali (semmai della moda del momento), ma è la produzione artistica stessa che riflette le esigenze del mercato.
 
Trovo comunque interessante anche la riflessione di Francesco Poli su “Il sistema dell’arte contemporanea” - Edizioni Laterza, Bari (2004)

La tendenza dominante infatti è quella della rapida ascesa di nomi nuovi e artisti giovani che in pochissimi anni riescono a sfondare raggiungendo quotazioni altissime e le sale dei maggiori musei.

Questo fenomeno è la testimonianza secondo Poli di un sistema drogato, dove l’euforia speculativa, sollecitata da una moda culturale gonfiata dai media, è arrivata a determinare la storicizzazione istantanea delle nuove star. Il risultato è che le dinamiche economiche non sono più il riflesso di tendenze culturali (semmai della moda del momento), ma è la produzione artistica stessa che riflette le esigenze del mercato.


Per caso, "googolando" le parole "arte nella crisi", ho trovato :

Il postmoderno e la crisi dell

Mi sembra molto ben espressivo di alcune problematiche generali e attuali che potrebbero (a mio parere) essere discusse apertamente (cioé in un confronto a più voci) dagli artisti moderni. Di "carne al fuoco" ce ne è tanta, anche oggi. Correggetemi se sbaglio, ma non mi pare manchino gli argomenti su cui costruire!

A dire il vero, non sapevo se postarlo qui o nella discussione a proposito di Cattelan, visto considerato che, nel leggerlo, l'ho ricollegato anche allo scambio di idee avuto in quella sezione.... Ma ho preferito ricollegarmi al contenuto del post di artebrixia, che (nell'ultima parte) ci ha riportati, con i piedi ben saldi per terra :), alla nostra realtà attuale.
 
Sapete poi quale è la mia domanda di fondo? E se lo dico io che sono profana di questo mondo, vuol dire che è una domanda alla portata di tutti....

Perché, oggi, dei "travagli" che coinvolgono l'arte, ne parlano principalmente appassionati, collezionisti, intenditori .... e non gli artisti?!? :confused:

Vale anche per il bellissimo Manifesto dell'Arteconomy (ovviamente, con centuplo encomio per l'Artista Giorgio :bow:, che sta provando a creare "impulsi", insieme al mitico artebrixia :bow:). Credo che, in rapporto a simili iniziative, gli artisti non debbano essere "tirati dentro per i capelli". Spero che, dopo la divulgazione del Manifesto, non tardino ad arrivare adesioni spontanee, propositive, aggiuntive e critiche. Spero che arrivi anche chi sostenga il contrario (Giorgio e Brixia, non me ne vogliate :) ). Purché ci sia un risveglio intellettuale da parte degli artisti, ben venga anche che un gruppo sostenga (all'interno di un percorso motivato!) che la finanza deve avere il controllo su tutto (:angry: ... sto parlando per assurdo...). Purché tornino ad essere gli artisti i principali fautori di queste discussioni e di questi confronti, in quanto dovrebbero esserne i diretti interessati.
 
Cara Isola,
mi hai finalmente dato lo spunto per accendere una polemica che avrei, prima o poi, aperto.

Il Manifesto è per tutti, ma ovviamente il movimento dovrà essere condiviso da Artisti.
Punto e a capo.
Ad oggi, fra le pubblicazioni su riviste, sui forum e in Fb, la questione che maggiormente mi lascia perplesso è proprio quella sottolineata da Isola.
I collezionisti e gli amanti dell'arte vogliono partecipare, scrivono, mandano mail, si ritengono interessati.:clap::clap:

Gli Artisti se ne stanno zitti, in disparte, come se dovessero preservare la loro esclusività, forse preferiscono stare chiusi fra le pareti dei loro mercanti.:mmmm::mmmm:

Ma il non-messaggio che traspare a mio avviso è un altro.
Il collezionista e l'amante dell'arte OGGI pensa, riflette, commenta e partecipa PIU' dell'Artista?:eek:

Siamo certi che un forzato individualismo di pensiero sia un bene per l'Artista?
E' mai possibile che si voglia unire solo in occasione di eventi collettivi e non per dialogare con gli Altri?

Non potremmo realizzare un movimento di collezionisti, di critici e di curatori, se non c'è la "materia prima" quale comune denominatore...

Sempre fiducioso,
saluto tutti gli Artisti e li aspetto.
Alessandro Celli
 
A tutti gli Artisti che leggono, riporto le parole di Isola (diritto di autore:bow:):

Purché ci sia un risveglio intellettuale da parte degli artisti, ben venga anche che un gruppo sostenga che la finanza deve avere il controllo su tutto.
Purché tornino ad essere gli artisti i principali fautori di queste discussioni e di questi confronti, in quanto dovrebbero esserne i diretti interessati.

Aggiungo:
Ma siete disposti ad un risveglio intellettuale ?
 
In effetti, cari miei, io e Giorgio abbiamo già percepito che ai mercanti, ai galleristi, ai vari critici e curatori con "nessun interesse diretto" (:no::no:), l'idea di creare un movimento che unisca artsti, NON piace affatto.
E chissà perchè.....:censored::censored:


Sta addirittura scritto nel manifesto, tutto ciò...:yes:


Non voglio chiudere un cerchio, ma aggiungere una domanda virtualmente rivolta agli Artisti, che (credo) con il post quotato sia già chiara...
 
Il cerchio non si chiuderà, cercheremo di proseguire il nostro intento, in quanto ci crediamo veramente.
Del resto tutto ciò deve scuotere animi e pensieri, l'arte ne ha bisogno...:yes:
 
Cara Isola,
mi hai finalmente dato lo spunto per accendere una polemica che avrei, prima o poi, aperto.

Il Manifesto è per tutti, ma ovviamente il movimento dovrà essere condiviso da Artisti.
Punto e a capo.
Ad oggi, fra le pubblicazioni su riviste, sui forum e in Fb, la questione che maggiormente mi lascia perplesso è proprio quella sottolineata da Isola.
I collezionisti e gli amanti dell'arte vogliono partecipare, scrivono, mandano mail, si ritengono interessati.:clap::clap:

Gli Artisti se ne stanno zitti, in disparte, come se dovessero preservare la loro esclusività, forse preferiscono stare chiusi fra le pareti dei loro mercanti.:mmmm::mmmm:

Ma il non-messaggio che traspare a mio avviso è un altro.
Il collezionista e l'amante dell'arte OGGI pensa, riflette, commenta e partecipa PIU' dell'Artista?:eek:

Siamo certi che un forzato individualismo di pensiero sia un bene per l'Artista?
E' mai possibile che si voglia unire solo in occasione di eventi collettivi e non per dialogare con gli Altri?

Non potremmo realizzare un movimento di collezionisti, di critici e di curatori, se non c'è la "materia prima" quale comune denominatore...

Sempre fiducioso,
saluto tutti gli Artisti e li aspetto.
Alessandro Celli

...non c'è fretta... ci vuole tempo. Il manifesto è stato pubblicato da pochi giorni (e solo oggi ho pubblicato su facebook fans la versione inglese sollecitatami da tanti che non conoscono l'italiano).
è arrivata anche richiesta di informazioni da alcune gallerie.
artisti interessati per ora solo alcuni amici che mi conoscono "di persona" anche se in modo virtuale e che quindi non possono aver nessun dubbio su di me.
col tempo immagino ne arriveranno altri (molti dovranno ancora leggere il Manifesto e assimilare anche la "COSA STRANA" che l'adesione non costa niente).
 
Ultima modifica:
...non c'è fretta... ci vuole tempo. Il manifesto è stato pubblicato da pochi giorni (e solo oggi ho pubblicato su facebook fans la versione inglese sollecitatami da tanti che non conoscono l'italiano).
è arrivata anche richiesta di informazioni da alcune gallerie.
artisti interessati per ora solo alcuni amici che mi conoscono "di persona" anche se in modo virtuale e che quindi non possono aver nessun dubbio su di me.
col tempo immagino ne arriveranno altri (molti dovranno ancora leggere il Manifesto e assimilare anche la "COSA STRANA" che l'adesione non costa niente).

Bè ... credo che l'adesione dovrà costare loro in termini di impegno culturale, di "messa in gioco". Ma (uso forse impropriamente termini "biblici"....) credo anche che ne verrebbero "ripagati" con il centuplo :)
 
Ma è naturale che l'adesione non costi nulla, del resto non abbiamo alcun interesse di speculare sulla creazione di un movimento, dobbiamo invece incentivare il "risveglio dal letargo" da parte di tanti artisti che lentamente si sono sdraiti su una comododa poltrona, in attesa che i vari critici (ma quanti sono??) abbiano da dire qualcosa sui loro concetti e sui loro pensieri, a volte travisando e distorcendo il reale pensiero dell'artista.:wall::wall:
E ciò non va bene:no::no:


- Isola sa bene a cosa mi riferisco ...:mano:
 
Caro Brixia, sai che non hai ancora accettato la mia richiesta di amicizia che ti inviai dal lontanissimo giorno di .... ieri?!? :ncomment: :grrr: :mad: :( :'(

Pentiti subito per quello che hai fatto! :) :p

Ora la mando anche a Giorgio, sperando che lui sia più "bravo" di te :yes:

Tornando al discorso, speriamo veramente che gli artisti si facciano finalmente sentire! La mia è una piccola preghiera (insomma, non vorranno mica che una povera neofita squattrinata un domani forse nemmeno troppo lontano si "arrenda" di fronte all'evidenza di non poter avvicinare i grandi nomi del passato e, al contempo, di non sentirsi vicina ai moderni che, sebbene economicamente più abbordabili, non dicono nulla di sè se non in rari contesti individualisti e "scissi" da qualsiasi movimento in futuro magari anche storicizzabile?!?) :rolleyes:
 
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